La cantante brasileña Anitta adelanta este martes el primer videoclip de “Versions of me”, sobre su canción “Gata”, donde que combina una estética exuberante característica de la música latina con alusiones a la superheroína Catwoman.
El video, dirigido por Giovanni Bianco, supone el primero de una serie de videoclips que la artista publicará cada semana para dar imagen a las canciones de su reciente disco, “Versions of me”, del que se espera la publicación de una nueva versión Deluxe, anuncia Warner Music en una nota de prensa
El lanzamiento de “Versions of me Deluxe” contará con dos nuevas colaboraciones a cargo de Missy Elliott, con quien la cantante interpretará el tema “Lobby”, y de Maluma, a quien Anitta acompañará en una canción titulada “El Que Espera”.
Ambas canciones, aún inéditas, han contado con un adelanto en redes de las que puede ser escuchado un pequeño fragmento.
El lanzamiento del álbum original, en abril de este año, en español, inglés y portugués, ostenta el récord de la mayor semana de reproducción para un artista brasileño en Spotify, con más de 40 millones de reproducciones.
Tras la publicación del disco, Anitta ha protagonizado una actuación en Coachella y su primera nominación a los MTV VMA en la categoría de mejor canción latina, lo que la convierte en la primera brasileña nominada en solitario en la historia de los premios, en los que cantará el 28 de agosto.
Además, la cantante ha obtenido recientemente un récord Guinness por ser la primera artista latina en solitario en alcanzar el primer puesto en Spotify global. EFE
Y entonces la noticia se regó como fuego por todo Lima: el Grupo Niche ofrecería un concierto gratuito en Campo de Marte, invitado por una emisora local, Radiomar Plus, que dejaba escapar por la radio un comercial que aún muchos peruanos recuerdan con gracia, “¡Niche… Nichelopierda!”…
Era marzo de 1989 y hasta ese momento la agrupación colombiana, fundada una década atrás por Jairo Varela —a quien un infarto le arrebató la vida un día como hoy, hace diez años—, no se había presentado en Perú, un país que aprendió a amar la salsa desde que el Callao la dejó entrar sin remedio por sus muelles.
La cita era el domingo 19. Lo recuerda bien Richie Valdés, cantante y luego director del grupo, quien al igual que sus compañeros no dimensionaba el fervor que Niche despertaba entre los peruanos.
El tabloide La Crónica lo resumiría así en letras de molde en su edición del lunes: ‘500 mil asistentes, arde la salsa’.
Un verdadero hito: basta pensar en Rock in Río, por ejemplo, que logra reunir en una misma jornada unas 100 mil personas. Fue entonces cuando comprendieron el delirio que habían vivido la noche anterior y que los peruanos buscaron inscribir en los Guinness Récords.
“Llegamos como a las seis de la tarde. Todavía había luz de día, y al subir a la tarima uno no alcanzaba a ver dónde terminaba la gente, ni hacia atrás ni para los lados, algunos estaban en las copas de los árboles. Era impresionante”, evoca Valdés a Efe.
Con el puertorriqueño Tito Gómez en sus filas —y la fama a cuestas de su paso por La Sonora Ponceña—, Varela y sus muchachos hicieron de Campo de Marte un solo coro al son de “Nuestro sueño” y “Cómo podré disimular”. También al compás de una melodía en ciernes —“Si yo pudiera elegir el lugar donde quisiera morir, sería el Perú, sería el Perú”…—, que Varela terminaría de componer a la mañana siguiente en el Hotel Crillón y que aún hoy emociona hasta las lágrimas a devotos salseros del país: “Me sabe a Perú”.
“Ese concierto —asegura Rommel Caicedo, sobrino de Varela y mánager de la agrupación— fue para para Niche la confirmación de que su música había trascendido las fronteras, que no era ya solo una agrupación colombiana, era en realidad una orquesta internacional”.
“FALTÓ UN PAÑUELO”
Los recuerdos de Caicedo brotan entre la nostalgia que embarga a la familia Niche y sus seguidores al cumplirse diez años de ausencia de su padre musical.
Del chocoano que en la década de 1970 caminaba por la céntrica calle 19 de Bogotá, cargando la pobreza como moneda suelta en los bolsillos. Ya para ese momento acariciaba el sueño de conformar su propia orquesta, abrevando lo mejor de las enseñanzas de música clásica y solfeo del sacerdote español Isaac Rodríguez —en la niñez de su natal Quibdó— y el arrullo de las chirimías del Pacífico.
Pronto encontraría en Alexis Lozano —músico y tan chocoano como Varela— a un cómplice con el que ese anhelo fue tomando forma. Así, tras varios meses resolviendo la vida con presentaciones esporádicas, nació Niche y un primer trabajo discográfico —”Al pasito”— que sonó tímidamente en la radio.
No pasaría mucho tiempo antes de que Jairo y sus “niches” llegaran a Nueva York con otro trabajo discográfico, “Querer es poder” —que se distribuyó de manera informal discoteca por discoteca—, y un éxito que supuso un antes y un después: “Buenaventura y Caney”. Que lo diga Luis “Tuto” Jiménez, vocalista de Niche entre 1981 y 1985: “Cuando nos presentamos por primera vez en Cali, en diciembre de 1982, en el estadio Pascual Guerrero, todo el mundo quería tocarnos, sin saber bien quién era el Grupo Niche.
Algunos pensaban que éramos de Puerto Rico, otros de Cuba o de República Dominicana. Pero nadie se imaginaba que éramos de Puerto Tejada y de Buenaventura, tan niches (negros) como ellos”.
Es que el ascenso de Niche se daría realmente en Cali, que aún hoy sigue siendo el bastión de su memoria y legado. La ciudad en la que compuso de madrugada, mientras el resto del mundo perdía el tiempo durmiendo, la mayoría de sus más de 200 canciones, dotadas de una engañosa sencillez que lo mismo celebran “un beso y un abrazo exacto en el momento”, una ciudad que es “luz de un nuevo cielo” o una aventura que es más bonita “cuando un beso robado queda siempre como adiós”.
Ese aliento poético, su extraña habilidad de componer música sin saber leerla o escribir notas sobre un pentagrama, le permitieron a Varela producir más de 20 álbumes, tres de los cuales se quedaron a vivir en las grandes ligas del género.
“Cielo de tambores”, de 1990, fue incluido en la lista de “Los 50 álbumes esenciales de la música latina” de Billboard; “No hay quinto malo”, cuyo éxito “Cali Pachanguero” hace parte de “Las 50 mejores canciones latinas de todos los tiempos” de Billboard, y “40”, que le entregó a Niche su primer Grammy Anglo en 2021.
“ALGO QUE SE QUEDE”
Tras la muerte de Varela en 2012, algunos vaticinaron la desaparición de la agrupación. Sin embargo, una década más tarde, el Grupo Niche vive tiempos benévolos: en un solo un mes suma hasta 18 conciertos, que incluyen varios en Estados Unidos y Europa, de donde justamente llegaron hace poco después de compartir su repertorio en España, Italia y Suiza.
En 2019, y contra el pronóstico de muchos, se despidieron con ovación del festival de rock Estéreo Picnic, en Bogotá, “demostrando que Niche no solo está en la memoria de los nostálgicos, sino también del público joven que con la misma emoción corea y baila sus clásicos y sus canciones más nuevas, como ‘Algo que se quede’”, comenta Caicedo.
Enseguida, hace un repaso por el calendario de presentaciones del grupo de este año y asegura que solo ve dos fines de semana disponibles. “El que la orquesta haya sobrevivido a pesar de la ausencia de Varela se debe a que él nos dejó un ejemplo de organización que conservan Yanila —su hija mayor— en lo administrativo, y José Aguirre —el director— en lo musical”.
Justamente Aguirre —trompetista, compositor—, formado musicalmente en las entrañas de la orquesta desde muy joven, asumió el reto de preservar el sonido que Niche convirtió en marca.
El también productor —que vivió junto a Varela uno de los episodios más dolorosos del artista, cuando fue acusado en 1995 de enriquecimiento ilícito con dineros de la mafia, por lo que estuvo seis años en prisión—, está seguro de que ha sabido mantener ese legado musical.
La prueba, dice, es el trabajo discográfico más reciente, “40”, ganador del Grammy Algo y el Grammy Latino, como ‘Mejor álbum tropical’.
“Si algo nos enseñó el maestro Varela, es que en la música hay que arriesgar. Y él lo hizo a lo largo de 30 años de carrera con Niche -dice Aguirre-. Ese legado se mantiene vivo, por eso hay Niche para la eternidad”.
El cantautor colombiano Juanes, el niño gigante de Medellín, el que convirtió canciones en himnos con su banda Ekhymosis, el que puso de moda la camisa negra y alcanzó la plenitud regresando a su origen, cumple este martes 50 años con una carrera llena de éxitos que les ha dado alas a los músicos de su país.
Nacido el 9 de agosto de 1972 en Medellín, Juan Esteban Aristizábal Vásquez, ícono del rock latino, ha vendido más de 20 millones de discos y acumulado 26 Grammy Latinos y tres Grammy desde que tomó hace cerca de 25 años su mochila para perseguir en solitario “el sueño americano”.
Para Carlos “Cal” Acosta, quien trabajó por años en la industria musical como empresario, columnista y director de emisoras, los artistas locales “carecían de confianza”, y ahí está la dimensión de estrellas como Juanes, Shakira y Carlos Vives, quienes lograron proyectar a Colombia como potencia musical.
“Juanes es uno de esos tres pilares sobre los que se apoya la confianza del músico joven colombiano”, afirmó a Efe Acosta, quien fue director de talentos de compañías discográficas que firmaron Ekhymosis y al cantautor en sus inicios.
Antes de esa llamada del productor argentino Gustavo Santaolalla, que en Los Ángeles (EE.UU.) cambió por completo la vida de Juanes y disparó su carrera con “Fíjate Bien”, su primer álbum como solista, el intérprete de “A Dios le pido” y “Fotografía” ya había transitado un camino y conquistado pequeñas cimas cuando aún estaba en construcción.
“Me tocó verlo luchar mucho para ser lo que es hoy en día. Juanes no era solo su voz, sino su alma. Cuando escuchaba sus canciones, sabía que teníamos a un ‘rockstar’ en Medellín”, relató a Efe Luis Guillermo Sosa, “Pike”, quien era pinchadiscos de estaciones de radio como La Mega y Radioactiva.
CONTRASTES Y FUERTES INFLUENCIAS
Juanes se enamoró de la música en las tardes de guitarra y canto con sus cinco hermanos. En Carolina del Príncipe, el pueblo de Antioquia donde nacieron sus padres, Javier Aristizábal y Alicia Vásquez, y pasó parte de su infancia, encontró sin proponérselo parte de sus influencias con las canciones que sonaban en las cantinas.
De una infancia arrullada por Gardel, Los Visconti y Los Chalchaleros, el menor de los Aristizábal, diseñador industrial que nunca ejerció, migró a la guitarra eléctrica cuando descubrió en su adolescencia a Metallica, Slayer y Sepultura, entre otros.
“Me crié en una familia muy metida en la música popular, de corte folclórico, pero a los 13 años escuché por primera vez el disco ‘Born in the USA’, de Bruce Springsteen y, sin entender una palabra, me volví loco”, rememoró.
DE MEDELLÍN PARA EL MUNDO
En las calles de Medellín, un hervidero musical en los años 80, moldeó su espíritu creativo. Se hizo más radical y rebelde con el metal como forma de expresión y escape para la guerra entre el Estado y la mafia que padecía la ciudad.
“Juanes siempre ha sido un paisa más. Nunca cambió ni perdió su esencia. Llegaba a las entrevistas en moto y con su cabello largo”, recordó “Pike”.
Siendo un quinceañero formó Ekhymosis, que explotó en la ciudad con el álbum “Niño Gigante”, del que se desprende el éxito “Solo”, elegida canción del año en 1993 y una oda al rock. Luego vinieron canciones como “Ciudad Pacífico”, “Sin rencores”, “De madrugada” y “Raza”.
Surgió un momento de rompimiento con algunos fanáticos que rechazaron ese sonido más cercano al pop, pero Juanes no estaba dispuesto a restringirse como compositor e intérprete. Esa libertad creativa le permitió ver la luz en 1997 a “La Tierra”, una reflexión sobre la patria convertida en himno, que puso a los colombianos a cantar al unísono: “Ama la tierra en que naciste, ámala es una y nada más…”.
“De esa época, cuando aún no era una superestrella, puedo decir que Juanes ya era un joven genio de la música”, señaló “Cal” Acosta, quien conoció en primicia ese emblemático tema en un restaurante de Medellín, cuando la mexicana Marusa Reyes, mánager de Caifanes, estaba muy cerca del colombiano.
“Ella le crea la autopista para que él salga”, cuenta “Cal”, tras sembrarle la idea de ser solista.
MÚSICA Y ACTIVISMO
Juanes, padre de Luna, Paloma y Dante, y pareja de Karen Martínez, concluyó su aventura con Ekhymosis en 1999 y emprendió un viaje más ambicioso. Empezó con su disco “Fíjate bien” en el que mezcló ritmos latinos y expuso sus sentimientos profundos sobre su familia y la violencia en su país, al hablar de las minas antipersonal, como un asomo del activista en el que se convertiría con su Fundación Mi sangre.
Emergió en su música un sonido pop-rock y probó con ritmos como cumbia, porro, salsa, vallenato y hasta carrilera con “La camisa negra”, una canción que dominó los listados musicales al conquistar con su letra pícara, que remitió a las cantinas de Carolina del Príncipe, donde levantaron una estatua de bronce con la figura del cantante, homenaje que se suma al parque Juanes de la Paz, construido en Medellín.
Con la consigna de “Se habla en español”, que incluso expuso en los Grammy, su música se fue extendiendo por toda Latinoamérica y abrió puertas con temas como “Nada valgo sin tu amor”, “Es por ti”, “Me enamora” y “Yerbatero”, entre otros.
El año pasado, además de cumplir el sueño de hacer una colaboración con Metallica, eligió volver a sus raíces con el álbum “Origen” para reencontrase con esas melodías que en el pasado lo impulsaron a seguir el camino del arte y lo llevaron a ser, a sus 50 años, la superestrella que hoy es.
“Por su juventud, vio en el metal la posibilidad de hacer su música, pero en realidad desde muy joven ya traía el talento para convertirse en un artista supremamente versátil, de una visión 360”, aseguró “Cal”. EFE
Malas noticias para los poco amantes del estilo urbano, el “twerking” y el meneo de cadera, porque un año más y de forma más clara incluso este de 2022 está siendo un verano de dominio en todo el mundo de la música en español, con el argentino Bizarrap, la española Rosalía y el puertorriqueño Bad Bunny como grandes responsables.
A ellos les pertenecen seis de las diez primeras posiciones de la lista “Global 50” de Spotify, una proporción que se dispara en países como España, donde los artistas latinos hacen pleno. He aquí una lista de diez canciones que no dejarán de sonar esta temporada en chiringuitos, autorradios y pistas de baile.
– “BZRP Music Sessions Vol 52”, de Bizarrap y Quevedo: la conjunción de estos dos raperos o, lo que os lo mismo, de Argentina y España, se ha convertido desde hace semanas en el número 1 mundial, un fenómeno viral al margen de multinacionales para “perrear toda la noche”. De las “Music Sessions” cabe rescatar además el volumen previo, con Villano Antillano.
– “Despechá”, de Rosalía: De “Bizcochito” a “Saoko”, cualquiera de los temas de su último disco, “Motomami”, podría poner sintonía a este verano, pero el torrente creativo de la catalana le hizo sumar a su actual gira cortes aún más nuevos como este mambo que, cuando aún no tenía nombre ni versión grabada, ya se convirtió en uno de los momentos más coreados de sus directos.
– “Te Felicito”, de la colombiana Shakira y el puertorriqueño Rauw Alejandro: Es elogiable que tras más de 30 años de carrera la de Barranquilla siga facturando “hits” contagiosos como este tema bailable con cierto toque futurista que, según indican algunas voces, alude a su ruptura con el futbolista Gerard Piqué.
– “Las 12”, de la Ana Mena y Belinda: Aunque hay quien prefiere la versión original en italiano, “Mezzanotte”, la española se apunta un nuevo tanto con el corte escrito por Andrés Torres y Mauricio Rengifo que en su traslación al castellano cuenta con otra diva de la música en este idioma, la hispanomexicana Belinda.
– “Quieres”, de Aitana, Emilia y Ptazeta: Si ya con “Formentera” logró ponerle fondo playero a los fríos meses del pasado invierno, con este reciente tema que anticipa su próximo disco la joven catalana sigue haciendo méritos para convertirse en una de las reinas imprescindibles del verano.
– “Tití me preguntó”, de Bad Bunny: Sería raro que con un disco bajo el brazo titulado “Un verano sin ti”, el astro puertorriqueño de las listas de “streaming” no fuese uno de los protagonistas de la temporada, por ejemplo con este sencillo cadencioso que el público ha convertido en el de mayor éxito de ese último trabajo.
– “Givenchy”, de Duki: Precisamente de la mano de Bad Bunny consiguió este trapero argentino uno de sus mayores éxitos, “Goteo”. En plena cresta de la ola, regresa al género que lo alumbró con verbo ágil y agresivo para demostrar que sabe “frontear”, sin exagerar.
– “As It Was”, Harry Styles: El ya emblemático teclado ochentero del inicio, que lo emparenta con la progresión de “Take On Me” de A-ha, constituye un gancho tan poderoso y reconocible que ha hecho del primer anticipo de “Harry’s House” uno de los grandes éxitos de la carrera del británico. Una pieza de melodía alegre para hablar, en realidad, de salud mental.
– “Break My Soul” de Beyoncé: La estadounidense no abandona su alegato identitario a favor de la comunidad negra en “Renaissance”, su último disco (sorpresa), esta vez desde una óptica hedonista que invita a la pista de baile con ropajes afrobeat y, como en este caso, con una producción de house de los años 90.
– “Running Up That Hill (A Deal With God)”, de Kate Bush: Quién iba a decirle a la cantautora británica que su empoderador tema de 1985, entonces número tres en su país, volvería al primer plano mundial 37 años después gracias a su inclusión en la BSO de la serie “Stranger Things” hasta coronar en EE.UU. la lista de las canciones más reproducidas en plataformas digitales.
Una de las mayores estrellas de Hollywood, el cantante latino más escuchado del mundo y un elenco de personajes histriónicos a bordo de un tren bala. Esos son los ingredientes con los que “Tren bala”, la película que ha reunido a Brad Pitt y Bad Bunny, quiere conquistar los cines este verano.
“El rodaje se benefició al contar con un elenco tan bueno y eso se debe en parte a que es una película con Brad Pitt, un socio amable y humilde, que también es el mejor en el negocio. Cuando él está en un proyecto, mucha gente levanta la mano”, explica a Efe David Leitch, el director de esta trepidante comedia de acción y violencia que se estrena el fin de semana.
Además de contar con dos de las celebridades más importantes del planeta, el filme consiguió reunir a Sandra Bullock, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry y Andrew Koji para dar vida a un reparto coral donde nadie es bueno, nadie es un héroe y, por supuesto, nadie tiene buenas intenciones.
Con un estilo único, “Tren bala” adapta una novela homónima de Kotaro Isaka que sigue a un sicario en plena crisis existencial (Pitt) durante su viaje en un tren bala entre Tokio y Kioto con la única misión de recuperar una valiosa maleta abandonada en uno de los vagones.
Lo que el protagonista no espera es que a bordo de ese tren de alta velocidad viajan varios de los sicarios más destacados del planeta, cada uno enfrascado en su objetivo hasta que aparecen rencillas, enemistades e incluso clientes compartidos que terminan por hacer de ese trayecto un disparatado y sanguinario caos.
“Es muy emocionante poder desarrollar una idea original hoy en día —reconoce Leitch—. Normalmente, uno asume el encargo de una franquicia o de un universo que ya existe, pero aquí empezamos de cero”.
Convencido de que el “tono” es lo que hace única a una película, el cineasta no reniega de inspiraciones y asume como referencias para “Tren bala” la excentricidad de Quentin Tarantino, “con un poco de Guy Ritchie y otro poco de John Woo”.
“He absorbido todo eso, pero esta película es auténtica y mía”, añade Leitch, que ya marcó su impronta surrealista al dirigir la segunda entrega de la saga “Deadpool”.
“BRAD PITT ES UN GRAN ACTOR QUE SIEMPRE APORTA IDEAS”
Si bien el director se atribuye el reconocible estilo de “Tren bala”, no duda en conceder méritos a los “instintos” de Brad Pitt para terminar de completar un personaje que evolucionó desde un sociópata de libro en el primer guion a “un gurú de la autoayuda con muchos problemas”.
“Es un buen actor que aporta ideas, y como director tienes que aceptarlas”, admite.
Pitt, tan seguro como anárquico, es la pieza fundamental de las más de dos horas de metraje de esta cinta que también se beneficia del descaro de Joey King, como una violenta princesa, y de la complicidad entre Taylor-Johnson y Turee Henry como un dúo de hermanos asesinos.
EL PERSONAJE DE BAD BUNNY ESTABA PENSADO PARA OTRO ACTOR
Sin embargo Sony Pictures, el estudio detrás de “Tren bala”, no tiene ninguna duda de que el gran reclamo del filme será Benito A Martínez Ocasio, Bad Bunny.
El personaje que interpreta el famoso cantante, un sicario mexicano con ansias de venganza, estaba escrito para un actor mucho mayor, desvela Leitch.
“Pero mi productor y mi mujer me dijeron que pensara en Benito, que acababa de aparecer en ‘Narcos’ y estaba increíble”, explica.
“Me reuní con él y fue perfecto. Joven, fresco, lleno de vida y pasión”. EFE
La artista ecuatoriana Mar Rendón logró pasar a la final de ‘La Academia’, el reality mexicano de talento producido por Azteca TV.
Durante la semifinal, que se llevó a cabo este domingo 7 de agosto del 2022, la guayaquileña subió al escenario con la irónica canción “Ángel” y recibió buenos comentarios de parte del panel de críticos, por ser una de sus mejores interpretaciones.
Mar compartió en su cuenta deInstagramuna imagen con la leyenda “Finalistas. Por favor, no me despierten de este sueño”.
La final será este domingo 14 de junio.
Los finalistas: Rubí, Andrés, Cesia, Nelson y Mar.
Estos son los premios que obtendrá el ganador
El ganador de ‘La Academia’ recibirá un millón de pesos mexicanos (50 mil dólares).
Además, los tres primeros lugares obtendrán un contrato con Sony Music.
Después de pasar su luna de miel en familia por Francia, y de haberse casado hace tres semanas, Jennifer López y Ben Affleck han decidido separarsepor mutuo acuerdo, sin que eso represente un problema en su relación.
Según Hollywood Life, la pareja de actores enfrenta su primer acuerdo de separación para concentrarse en sus proyectos personales. Consideran que la separación permitirá fortalecer sus lazos y no deteriorará la conexión entre ambos. Tanto Jen como Ben aseguran que es por el bien de su matrimonio.
“Lo único que hace que su relación sea tan única es que saben más que nadie las demandas que conlleva hacer lo que hacen. De hecho, creen que pasar tiempo separados los hace más fuertes y es perfecto porque cuando están separados, están ganando una cantidad extrema de dinero. Es una situación donde ambos ganan”, informó el medio.
A pesar de que no se aclara si vivirán todo el tiempo en casas separadas. Se conoce que se comunican todos los días y mantienen contacto telefónico hasta volver a reunirse.
La representante de Filipinas, Camelle Mercado, se convirtió en Miss Continentes Unidos 2022, la noche de este sábado 6 de agosto.
Mientras que Ivanova Vélez, de Ecuador, alcanzó el segundo lugar bajo el título de primera finalista.
Certamen
La gala empezó con un opening de las candidatas luciendo sus trajes típicos al ritmo moderno del pasillo ‘La Tejedora Manabita’. Posteriormente se premió a las tres finalistas del concurso de Traje Típico.
Miss India ganó esta competencia. Mientras que, Miss Filipinas y Miss Paraguay se quedaron con el segundo y tercer puesto respectivamente.
La elección de estas dignidades se efectuó en Guayaquil el pasado 1 de agosto.
Candidatas y cintas
Las aspirantes a la corona, tuvieron dos salidas más al escenario: traje de baño y de gala.
Tras su tercera aparición en escena, se entregaron las primeras cintas. Miss Estados Unidos se hizo acreedora a la banda de Miss Amistad, mientras que Miss Colombia obtuvo la cinta de Miss Cielo.
Finalistas
Karen Ortiz, de Colombia; Ivanova Vélez, de Ecuador; Lismaglys Arbelaez, de Venezuela; Camelle Mercado, de Filipinas; Ayram Ortiz, de México; y Gretha Estigarriba, de Paraguay fueron las finalistas.
Cuando Eva Noblezada tomó la decisión de presentarse como una actriz mexicana-filipina le llovieron las críticas. “Me dijeron que sería más difícil encontrar trabajo porque no había muchos personajes para alguien como yo, y tuvieron razón”, contó en una entrevista con Efe.
Desafiando todos los obstáculos, este fin de semana está haciendo historia al convertirse en la primera artista de dos comunidades minoritarias en Estados Unidos en tener sendas películas que se estrenan el mismo día.
“Dios es muy bueno conmigo. Es la única explicación que encuentro a lo que me está pasando”, indicó la actriz de 26 años que protagoniza “Luck”, película animada de Apple TV+, y “Easter Sunday”, cinta que compite en los cines con “Bullet Train”.
Noblezada, cuyo padre tiene raíces filipinas y cuya madre es de origen mexicano, se considera “muy suertuda” y está agradecida.
Nacida el 18 de marzo de 1996 en San Diego (California), la artista jamás pensó que tendría que coordinar su agenda para hablar de dos proyectos “tan hermosos” y que se estrenarían al mismo tiempo. “Es una locura, una maravillosa locura”, expresó.
Como si eso fuera poco, en ambas producciones Noblezada ha podido codearse con la crema y nata del mundo del espectáculo.
LA SUERTE DE “LUCK”
La película de Apple TV+ tiene un elenco estelar que, además de Noblezada en el papel principal, incluye a Jane Fonda, Whoopi Goldberg y Simon Pegg. Aunque los artistas grabaron las voces de sus personajes más separados que de costumbre a consecuencia de la pandemia, “he podido compartir un poco y todavía no lo puedo creer”, dijo la actriz.
La producción de Sky Animation y Sky Animation Madrid gira en torno a una jovencita llamada Sam que se consideraba la chica “con peor suerte del mundo”, hasta que conoce a un gato negro que eventualmente le abre la puerta al lugar secreto donde se asigna la suerte a los seres humanos.
“En el centro de la historia está el concepto de que la suerte no es buena ni mala; todo depende de cómo se vean las cosas”, expresó. Para ella, el concepto de la suerte “está asociado a vivir con agradecimiento”.
Después de comenzar su carrera en el teatro musical en Nueva York, Noblezada llegó a Broadway y fue nominada en 2017 a un premio Tony, el mayor galardón del teatro estadounidense, en la categoría de “Mejor actriz protagonista en una obra musical” por su interpretación de Kim en “Miss Saigon”.
Dos años después recibió la misma distinción por su interpretación del papel principal de Eurydice en la obra “Hadestown”, que primero se presentó en el Teatro Real Nacional en Londres y luego en Nueva York.
Aunque hacer cine formaba parte de sus sueños cuando crecía en la ciudad de Charlotte, estado de Carolina del Norte, una vez que se asentó como actriz de teatro la pantalla grande pareció quedar en el retrovisor. “Pero mis raíces me llamaron”, manifestó.
La voz que escuchó fue la de la cineasta filipina estadounidense Diane Paragas, quien la convocó para el papel principal en su película “Yellow Rose”.
“Easter Sunday” es su segunda película y no puede creer “que también sea una historia en torno a la comunidad filipina en Estados Unidos”, afirmó.
Otros actores habrían “corrido en otra dirección para evitar ser encasillados”, pero no Noblezada, quien considera una bendición representar a las comunidades con las que está vinculada cada vez que puede.
EL ACTIVISMO COMO MISIÓN
Noblezada ha sido muy abierta sobre sus problemas de salud mental. Tanto que al preguntársele a quién le mandaría buena suerte no titubeó ni un instante para decir a que “a todos los que sufren de depresión”.
Durante su estadía en Londres, la depresión y la ansiedad empeoraron y se le sumaron severos episodios de acné, dismorfia corporal, bulimia y ataques de pánico.
La actriz agradece el respaldo de su entorno, psicoterapia y yoga. “Literalmente, me salvaron la vida”, afirmó.
“Una de mis maneras de agradecer la suerte que tengo es alzar la voz para conseguir apoyo para los que tienen problemas de salud mental como yo”, indicó.
Aunque Eva Noblezada asocia muchas de sus dificultades con la palabra “perfección”, considera que este momento profesional se le acerca bastante. Eso si, no quiere quedarse “pegada” allí, pues “lo mejor es fluir y seguir agradeciendo la suerte”.
Portoviejo se viste de gala. Esta noche, en el Teatro Greco Romano del parque Las Vegas se elegirá a la nueva Miss Continentes Unidos.
En esta edición del certamen compiten 25 candidatas de los cuatro continentes, donde la chonera Ivanova Vélez, actual virreina de Manabí, es la representante del país.
Las otras concursantes representan a: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Dinamarca, El Salvador, Estados Unidos, Filipinas, Francia, Honduras, India, México, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú, Portugal, Puerto Rico, República Dominicana, Sudáfrica, Uruguay y Venezuela.
Detalles de la elección. La velada, en la que se coronará a la sucesora de AnaIris Cadavid, tiene previsto iniciar a las 19h30 y se estima que tenga una duración de dos horas y media.
La elección será transmitida por Gamavisión, canal oficial, y a través de la cuenta de Facebook de la organización Miss Continentes Unidos, así como por las plataformas digitales del Municipio de Portoviejo. Además, siete cadenas internacionales van a retransmitir la gala para el resto del planeta.
Los conductores serán Claudia Schiess, Miss Ecuador y Miss Continente Americano 2011, y el periodista ecuatoriano Roberto Rodríguez. Mientras que en backstage y alfombra roja estará la manabita Valeria Moreira.
Las concursantes tendrán tres salidas al escenario: la primera salida será en traje típico, después en traje de baño y para concluir harán su pasarela en vestido de noche, según informó la organización.
El toque artístico del reinado estará a cargo de cantantes locales, como Fernando Cargua, Fernando Cevallos, Christian Garcés, y del grupo Baila Studio By Cristhian Gallardo.
Designación de la miss. El jurado estará conformado por personalidades internacionales.
Para conocer a la ganadora se elegirán diez semifinalistas, de ellas saldrán seis, las cuales deberán contestar la pregunta ¿Cómo unir a los continentes? “Es una pregunta general para todas”, señaló Zulay Plúa, vocera de la organización Miss Continentes Unidos.
Luego, los jueces analizarán las respuestas para conocer finalmente a la ganadora.
Quien resulte electa se hará acreedora a una banda y corona de la empresa OroCash, diseñada por Taira Chalán, oriunda de Loja. La tiara tiene por nombre “Renacer de la vida”, que fue escogida mediante concurso realizado a nivel nacional.
