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Category: CULTURA

  • “Invento de la soledad”, una comedia bastante seria de una pareja que es trío

    “Invento de la soledad”, una comedia bastante seria de una pareja que es trío

    “El invento de la soledad”, una comedia bastante seria, que se entrena este sábado en Ecuador, narra la historia de una pareja, que en realidad es un trío, pues el encierro por la pandemia atrae tan intensamente los recuerdos de un amor pasado, que se convierte en un integrante más de la relación.

    De humor inteligente, el argumento del corto nació hace cuatro años con aspiración de ser película, pero por azares de la vida, ha terminado en una obra de unos veinte minutos, con la comedia como pretexto para hablar sobre el complejo entramado razón-corazón, que en ocasiones lleva a pensar que cualquier pasado fue mejor.

    En el confinamiento por el Covid-19, Soledad, la protagonista del corto, decide vivir con la pareja con la que sale desde hace poco, pero al mismo tiempo logra una profunda inmersión en su mundo subjetivo al punto de materializar un recuerdo.

    MÁS CÓMODO LIDIAR CON RECUERDOS

     “Siempre será más cómodo lidiar con un recuerdo que con un ser humano”, se escucha en la obra, una frase que para su creadora y directora, Ana Cristina Franco, resume la tesis del cortometraje, que participa en el Festival Internacional de Cine de Quito, tras haberse presentado en Estados Unidos, Alemania, Francia, España y Uruguay.

    “Enfrentarse a una persona real implica siempre un esfuerzo, en cambio la mente hace que los recuerdos e imaginaciones se adapten a lo que podemos tolerar emocionalmente. El recuerdo es una invención y se vuelve más manipulable”, explica la ecuatoriana Franco en una entrevista con Efe.

    Al sumar una “persona” más a la pareja en el corto, Franco juega con una metáfora pues en la vida real, cuando se recuerda mucho a alguien, esto influye en el entorno y en la vida de otros.

    DEBATE ENTRE REALIDAD E IMAGINACIÓN

    Debatiéndose entre su realidad y su imaginación, Soledad ve una noche a su exnovio: “Yo deambulaba tranquilamente por los laberintos incansables de la memoria, cuando el llamado obsesivo de alguien me materializó”, dice él ante su asombrada expareja.

    Junto a ellos, el novio de carne y hueso inicia un inesperado viaje por los recovecos de la memoria, de la ira, del conformismo y las comparaciones intelectuales del ex.

    Se desencadena así una serie de diálogos que envuelven ironías, prejuicios y una crítica soterrada a lo que Franco denomina “activismo de Facebook”, en relación a quienes desde un teclado opinan, comentan, dirigen y pretenden cambiar el mundo.

    Y es que, con un afán más analítico que juzgador, en el corto se ironiza sobre privilegios desde la mirada de alguien de clase media y se abordan “teorías conspiranóicas”, que al inicio de la pandemia argumentaban que todo era un invento para manipular a la sociedad.

    LA SOLEDAD, MECANISMO DE DEFENSA

    El corto “tiene que ver con esta lógica de la soledad como un mecanismo de defensa, quedarse en su mente con lo seguro, con el recuerdo y no enfrentar la realidad”, incide Franco.

    Pero también -dijo- tiene que ver con la nueva manera, “no mala sino distinta”, de relacionarse a través de lo virtual ladeando al contacto personal, lo que se intensificó con la pandemia.

    “Deberías quedarte conmigo, yo no contagio”, le dice a Soledad su expareja materializada; “pero yo existo”, replica el novio de carne y hueso, en un diálogo que deja como subtexto que el recuerdo ofrece una especie de inmunidad al dolor.

    No obstante, “el recuerdo puede ser perfecto, pero no existe”, dice Franco, que con el corto también da otra mirada a la monogamia.

    Ello porque en la pareja siempre puede haber “uno más”: el recuerdo de alguien o el deseo de una persona, y la pareja aprende a convivir con el “tercero fantasmagórico”, comenta.

    DESIGUALDAD DE GÉNERO

    En otra vuelta de tuerca reflexiva, el corto también rechaza la desigualdad de género: “Héroe masculino, musa femenina”, reclama en un diálogo Soledad, que lidia con un montón de masculinidades tóxicas, una situación que sirve de excusa a Franco para alzar la voz sobre el papel de la mujer, también en el cine.

    Habla de discriminación a la comedia hecha por mujeres, no solo porque hay poca, sino porque las actrices preferían ser musas, y no querían hacer comedia por temor a ser vistas como “poco serias”.

    Esta idea la echa al suelo con el corto grabado durante tres días en 2021, en Quito, con una inversión de 13 mil dólares, y con el que este año ha ganado ya dos premios internacionales y una mención. EFE

  • Lo pulcro y lo monsturoso se citan en una Bogotá que celebra el erotismo

    Lo pulcro y lo monsturoso se citan en una Bogotá que celebra el erotismo

     Cuatro mujeres, en representación de cuatro valquirias, bajan por los pasillos de uno de los teatros más grandes Bogotá hasta llegar al escenario donde, completamente desnudas, montan la música de Richard Wagner en una cita en la que lo pulcro y lo monstruoso se encuentran para celebrar el erotismo.

    Precisamente esa es la premisa del Festival Internacional de Artes Eróticas (Aefest), que este año tiene una agenda desdoblada con una primera parte celebrada en Medellín mientras el colofón final se da en Bogotá, de la mano de Instituto Distrital de las Artes (Idartes), del que la obra La Wagner del argentino Pablo Rotemberg ha hecho parte.

    “Lo pulcro y lo monstruoso: una mirada al erotismo” es el lema bajo el que del 10 al 14 de agosto Bogotá será la capital internacional del erotismo para hablar sobre sexualidad, erotismo y diversidad desde la estética con obras de teatro, representaciones, conversatorios, talleres y charlas que buscan aproximarse a una de las mayores fascinaciones de los humanos desde el principio de los tiempos: el erotismo.

    Y eso trata de hacer una de las obras invitadas de esta edición. Estrenada en 2013 en Buenos Aires, La Wagner lleva casi 10 años subiéndose a los escenarios de muchos países latinoamericanos y europeos para poner ante los ojos de los espectadores la violencia, el erotismo, la pornografía y otros estereotipos de la femenidad.

    LAS VALQUIRIAS DE WAGNER

    Una puesta en escena en la que no hacen falta nada más que cuatro sillas y un juego de luces entre tenebroso y celestial marcan el ritmo escénico de La Wagner, en la que la música del compositor alemán es la principal protagonista a la que las artistas sobre la tarima intentan representar.

    A veces con violencia, a veces con incomodidad, las cuatro argentinas (Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Bárbara Alonso y Carla Rímola) que se subieron al escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán y que tendrán una segunda representación en el teatro Ensueño, en el sur de la capital colombiana, pusieron al público en pie en una ovación.

    Rotemberg eligió a Wagner para crear una obra, algo que sabía que no sería fácil, sino más bien complejo, cuenta a Efe en su primera vez en Bogotá. Además se enfrentaba a lo que él consideraba un reto: trabajar con los cuerpos de mujeres, tomar su cuerpo como “un objeto de investigación y de estudio”.

    “Yo quería hacer una obra sobre Wagner y la violencia”, relata, aunque su concepción inicial adoptó un cariz diferente ante los ojos de los espectadores, que vieron una crítica contra la violencia de género que irremediablemente para otros se convierte en una sexualización de los cuerpos desnudos de las artistas.

    De hecho, añade Rotemberg, “muchos pedazos de la obra están en sitios porno de internet”.

    Y ahí entra el “juego” del erotismo, algo “interesante” que pone de manifiesto las distintas facetas que adopta según la perspectiva de cada persona. “Para mí la obra primero que no es erótica, pero para muchos hombres puede serlo”, concluye Rotemberg.

    Sin dar tregua al espectador, en algunos momentos llegando a ser asfixiante con la representación de una violación o la música angustiosa acompañada de la violencia de las actrices, La Wagner abre el Aefest en la que promete ser una edición para romper prejuicios y estereotipos, y para aproximarse a un erotismo tanto desde lo pulcro como desde lo monstruoso.

    “El festival será un espacio seguro para hablar de las sexualidades alternativas, sobre la erótica en los cuerpos y, por supuesto, la educación sexual”, explica Idartes, que detalla que contará con invitados como la periodista y escritora española Noemí Casquet, la escritora colombiana Vanessa Rosales y la divulgadora sexual española Laila Pilgren, entre otros. EFE

    lmg/jga/cfa

  • Jairo Varela, el niche que dejó un legado que sigue vivo

    Jairo Varela, el niche que dejó un legado que sigue vivo

    Y entonces la noticia se regó como fuego por todo Lima: el Grupo Niche ofrecería un concierto gratuito en Campo de Marte, invitado por una emisora local, Radiomar Plus, que dejaba escapar por la radio un comercial que aún muchos peruanos recuerdan con gracia, “¡Niche… Nichelopierda!”…

    Era marzo de 1989 y hasta ese momento la agrupación colombiana, fundada una década atrás por Jairo Varela —a quien un infarto le arrebató la vida un día como hoy, hace diez años—, no se había presentado en Perú, un país que aprendió a amar la salsa desde que el Callao la dejó entrar sin remedio por sus muelles.

    La cita era el domingo 19. Lo recuerda bien Richie Valdés, cantante y luego director del grupo, quien al igual que sus compañeros no dimensionaba el fervor que Niche despertaba entre los peruanos.

    El tabloide La Crónica lo resumiría así en letras de molde en su edición del lunes: ‘500 mil asistentes, arde la salsa’.

    Un verdadero hito: basta pensar en Rock in Río, por ejemplo, que logra reunir en una misma jornada unas 100 mil personas. Fue entonces cuando comprendieron el delirio que habían vivido la noche anterior y que los peruanos buscaron inscribir en los Guinness Récords.

    “Llegamos como a las seis de la tarde. Todavía había luz de día, y al subir a la tarima uno no alcanzaba a ver dónde terminaba la gente, ni hacia atrás ni para los lados, algunos estaban en las copas de los árboles. Era impresionante”, evoca Valdés a Efe.

    Con el puertorriqueño Tito Gómez en sus filas —y la fama a cuestas de su paso por La Sonora Ponceña—, Varela y sus muchachos hicieron de Campo de Marte un solo coro al son de “Nuestro sueño” y “Cómo podré disimular”. También al compás de una melodía en ciernes —“Si yo pudiera elegir el lugar donde quisiera morir, sería el Perú, sería el Perú”…—, que Varela terminaría de componer a la mañana siguiente en el Hotel Crillón y que aún hoy emociona hasta las lágrimas a devotos salseros del país: “Me sabe a Perú”.

    “Ese concierto —asegura Rommel Caicedo, sobrino de Varela y mánager de la agrupación— fue para para Niche la confirmación de que su música había trascendido las fronteras, que no era ya solo una agrupación colombiana, era en realidad una orquesta internacional”.

    “FALTÓ UN PAÑUELO”

    Los recuerdos de Caicedo brotan entre la nostalgia que embarga a la familia Niche y sus seguidores al cumplirse diez años de ausencia de su padre musical.

    Del chocoano que en la década de 1970 caminaba por la céntrica calle 19 de Bogotá, cargando la pobreza como moneda suelta en los bolsillos. Ya para ese momento acariciaba el sueño de conformar su propia orquesta, abrevando lo mejor de las enseñanzas de música clásica y solfeo del sacerdote español Isaac Rodríguez —en la niñez de su natal Quibdó— y el arrullo de las chirimías del Pacífico.

    Pronto encontraría en Alexis Lozano —músico y tan chocoano como Varela— a un cómplice con el que ese anhelo fue tomando forma. Así, tras varios meses resolviendo la vida con presentaciones esporádicas, nació Niche y un primer trabajo discográfico —”Al pasito”— que sonó tímidamente en la radio.

    No pasaría mucho tiempo antes de que Jairo y sus “niches” llegaran a Nueva York con otro trabajo discográfico, “Querer es poder” —que se distribuyó de manera informal discoteca por discoteca—, y un éxito que supuso un antes y un después: “Buenaventura y Caney”. Que lo diga Luis “Tuto” Jiménez, vocalista de Niche entre 1981 y 1985: “Cuando nos presentamos por primera vez en Cali, en diciembre de 1982, en el estadio Pascual Guerrero, todo el mundo quería tocarnos, sin saber bien quién era el Grupo Niche.

    Algunos pensaban que éramos de Puerto Rico, otros de Cuba o de República Dominicana. Pero nadie se imaginaba que éramos de Puerto Tejada y de Buenaventura, tan niches (negros) como ellos”.

    Es que el ascenso de Niche se daría realmente en Cali, que aún hoy sigue siendo el bastión de su memoria y legado. La ciudad en la que compuso de madrugada, mientras el resto del mundo perdía el tiempo durmiendo, la mayoría de sus más de 200 canciones, dotadas de una engañosa sencillez que lo mismo celebran “un beso y un abrazo exacto en el momento”, una ciudad que es “luz de un nuevo cielo” o una aventura que es más bonita “cuando un beso robado queda siempre como adiós”.

    Ese aliento poético, su extraña habilidad de componer música sin saber leerla o escribir notas sobre un pentagrama, le permitieron a Varela producir más de 20 álbumes, tres de los cuales se quedaron a vivir en las grandes ligas del género.

    “Cielo de tambores”, de 1990, fue incluido en la lista de “Los 50 álbumes esenciales de la música latina” de Billboard; “No hay quinto malo”, cuyo éxito “Cali Pachanguero” hace parte de “Las 50 mejores canciones latinas de todos los tiempos” de Billboard, y “40”, que le entregó a Niche su primer Grammy Anglo en 2021.

    “ALGO QUE SE QUEDE”

    Tras la muerte de Varela en 2012, algunos vaticinaron la desaparición de la agrupación. Sin embargo, una década más tarde, el Grupo Niche vive tiempos benévolos: en un solo un mes suma hasta 18 conciertos, que incluyen varios en Estados Unidos y Europa, de donde justamente llegaron hace poco después de compartir su repertorio en España, Italia y Suiza.

    En 2019, y contra el pronóstico de muchos, se despidieron con ovación del festival de rock Estéreo Picnic, en Bogotá, “demostrando que Niche no solo está en la memoria de los nostálgicos, sino también del público joven que con la misma emoción corea y baila sus clásicos y sus canciones más nuevas, como ‘Algo que se quede’”, comenta Caicedo.

    Enseguida, hace un repaso por el calendario de presentaciones del grupo de este año y asegura que solo ve dos fines de semana disponibles. “El que la orquesta haya sobrevivido a pesar de la ausencia de Varela se debe a que él nos dejó un ejemplo de organización que conservan Yanila —su hija mayor— en lo administrativo, y José Aguirre —el director— en lo musical”.

    Justamente Aguirre —trompetista, compositor—, formado musicalmente en las entrañas de la orquesta desde muy joven, asumió el reto de preservar el sonido que Niche convirtió en marca.

    El también productor —que vivió junto a Varela uno de los episodios más dolorosos del artista, cuando fue acusado en 1995 de enriquecimiento ilícito con dineros de la mafia, por lo que estuvo seis años en prisión—, está seguro de que ha sabido mantener ese legado musical.

    La prueba, dice, es el trabajo discográfico más reciente, “40”, ganador del Grammy Algo y el Grammy Latino, como ‘Mejor álbum tropical’.

    “Si algo nos enseñó el maestro Varela, es que en la música hay que arriesgar. Y él lo hizo a lo largo de 30 años de carrera con Niche -dice Aguirre-. Ese legado se mantiene vivo, por eso hay Niche para la eternidad”.

    EFE/ Lucy Lorena Libreros

  • Juanes, el niño gigante de Medellín convertido en estrella, cumple 50 años

    Juanes, el niño gigante de Medellín convertido en estrella, cumple 50 años

     El cantautor colombiano Juanes, el niño gigante de Medellín, el que convirtió canciones en himnos con su banda Ekhymosis, el que puso de moda la camisa negra y alcanzó la plenitud regresando a su origen, cumple este martes 50 años con una carrera llena de éxitos que les ha dado alas a los músicos de su país.

    Nacido el 9 de agosto de 1972 en Medellín, Juan Esteban Aristizábal Vásquez, ícono del rock latino, ha vendido más de 20 millones de discos y acumulado 26 Grammy Latinos y tres Grammy desde que tomó hace cerca de 25 años su mochila para perseguir en solitario “el sueño americano”.

    Para Carlos “Cal” Acosta, quien trabajó por años en la industria musical como empresario, columnista y director de emisoras, los artistas locales “carecían de confianza”, y ahí está la dimensión de estrellas como Juanes, Shakira y Carlos Vives, quienes lograron proyectar a Colombia como potencia musical.

    “Juanes es uno de esos tres pilares sobre los que se apoya la confianza del músico joven colombiano”, afirmó a Efe Acosta, quien fue director de talentos de compañías discográficas que firmaron Ekhymosis y al cantautor en sus inicios.

    Antes de esa llamada del productor argentino Gustavo Santaolalla, que en Los Ángeles (EE.UU.) cambió por completo la vida de Juanes y disparó su carrera con “Fíjate Bien”, su primer álbum como solista, el intérprete de “A Dios le pido” y “Fotografía” ya había transitado un camino y conquistado pequeñas cimas cuando aún estaba en construcción.

    “Me tocó verlo luchar mucho para ser lo que es hoy en día. Juanes no era solo su voz, sino su alma. Cuando escuchaba sus canciones, sabía que teníamos a un ‘rockstar’ en Medellín”, relató a Efe Luis Guillermo Sosa, “Pike”, quien era pinchadiscos de estaciones de radio como La Mega y Radioactiva.

    CONTRASTES Y FUERTES INFLUENCIAS

    Juanes se enamoró de la música en las tardes de guitarra y canto con sus cinco hermanos. En Carolina del Príncipe, el pueblo de Antioquia donde nacieron sus padres, Javier Aristizábal y Alicia Vásquez, y pasó parte de su infancia, encontró sin proponérselo parte de sus influencias con las canciones que sonaban en las cantinas.

    De una infancia arrullada por Gardel, Los Visconti y Los Chalchaleros, el menor de los Aristizábal, diseñador industrial que nunca ejerció, migró a la guitarra eléctrica cuando descubrió en su adolescencia a Metallica, Slayer y Sepultura, entre otros.

    “Me crié en una familia muy metida en la música popular, de corte folclórico, pero a los 13 años escuché por primera vez el disco ‘Born in the USA’, de Bruce Springsteen y, sin entender una palabra, me volví loco”, rememoró.

    DE MEDELLÍN PARA EL MUNDO

    En las calles de Medellín, un hervidero musical en los años 80, moldeó su espíritu creativo. Se hizo más radical y rebelde con el metal como forma de expresión y escape para la guerra entre el Estado y la mafia que padecía la ciudad.

    “Juanes siempre ha sido un paisa más. Nunca cambió ni perdió su esencia. Llegaba a las entrevistas en moto y con su cabello largo”, recordó “Pike”.

    Siendo un quinceañero formó Ekhymosis, que explotó en la ciudad con el álbum “Niño Gigante”, del que se desprende el éxito “Solo”, elegida canción del año en 1993 y una oda al rock. Luego vinieron canciones como “Ciudad Pacífico”, “Sin rencores”, “De madrugada” y “Raza”.

    Surgió un momento de rompimiento con algunos fanáticos que rechazaron ese sonido más cercano al pop, pero Juanes no estaba dispuesto a restringirse como compositor e intérprete. Esa libertad creativa le permitió ver la luz en 1997 a “La Tierra”, una reflexión sobre la patria convertida en himno, que puso a los colombianos a cantar al unísono: “Ama la tierra en que naciste, ámala es una y nada más…”.

    “De esa época, cuando aún no era una superestrella, puedo decir que Juanes ya era un joven genio de la música”, señaló “Cal” Acosta, quien conoció en primicia ese emblemático tema en un restaurante de Medellín, cuando la mexicana Marusa Reyes, mánager de Caifanes, estaba muy cerca del colombiano.

    “Ella le crea la autopista para que él salga”, cuenta “Cal”, tras sembrarle la idea de ser solista.

    MÚSICA Y ACTIVISMO

    Juanes, padre de Luna, Paloma y Dante, y pareja de Karen Martínez, concluyó su aventura con Ekhymosis en 1999 y emprendió un viaje más ambicioso. Empezó con su disco “Fíjate bien” en el que mezcló ritmos latinos y expuso sus sentimientos profundos sobre su familia y la violencia en su país, al hablar de las minas antipersonal, como un asomo del activista en el que se convertiría con su Fundación Mi sangre.

    Emergió en su música un sonido pop-rock y probó con ritmos como cumbia, porro, salsa, vallenato y hasta carrilera con “La camisa negra”, una canción que dominó los listados musicales al conquistar con su letra pícara, que remitió a las cantinas de Carolina del Príncipe, donde levantaron una estatua de bronce con la figura del cantante, homenaje que se suma al parque Juanes de la Paz, construido en Medellín.

    Con la consigna de “Se habla en español”, que incluso expuso en los Grammy, su música se fue extendiendo por toda Latinoamérica y abrió puertas con temas como “Nada valgo sin tu amor”, “Es por ti”, “Me enamora” y “Yerbatero”, entre otros.

    El año pasado, además de cumplir el sueño de hacer una colaboración con Metallica, eligió volver a sus raíces con el álbum “Origen” para reencontrase con esas melodías que en el pasado lo impulsaron a seguir el camino del arte y lo llevaron a ser, a sus 50 años, la superestrella que hoy es.

    “Por su juventud, vio en el metal la posibilidad de hacer su música, pero en realidad desde muy joven ya traía el talento para convertirse en un artista supremamente versátil, de una visión 360”, aseguró “Cal”. EFE

  • “Predator” vuelve a la carga en “Prey”, un giro al clásico de ciencia ficción

    “Predator” vuelve a la carga en “Prey”, un giro al clásico de ciencia ficción

    “Predator”, el horrible alienígena que cazaba humanos por puro placer, debutó en la gran pantalla hace más de treinta años pero aún continúa inspirando nuevas películas: “Prey”, rodada en lengua Comanche y ambientada en 1719, es el último giro de la longeva franquicia.

    El cineasta que ha armado el regreso de tal personaje, Dan Trachtenberg (uno de los directores de la serie “The Boys”), insiste en que esta nueva película no es una precuela de la cinta protagonizada por Arnold Schwarzenegger en 1987 ni tampoco un relato sobre los orígenes del famoso extraterrestre.

    “Está ambientada 300 años antes de la cinta original, por lo que técnicamente se consideraría una precuela. Pero creo que destaca por sí sola como una película de aventuras mezclada con otra de terror que continúa la tradición de ‘Predator”, explica a Efe el director antes del estreno del filme, este fin de semana, en Hulu y Disney+.

    Difícil de acotar como película de ciencia-ficción, aventuras o terror, el filme original se ganó el estatus de clásico al presentar una violenta lucha entre un depredador extraterrestre tecnológicamente avanzado y un ejército armado de testosterona, encabezado por Schwarzenegger, Elpidia Carrillo y Bill Duke.

    La idea cuajó: se rodaron tres secuelas y luego llegó una trilogía que enfrentó en varias ocasiones a “Predator” con “Alien”, otro de los iconos de ese género de terror con ciencia-ficción propio de los 80.

    Ahora en su regreso de 2022, el sanguinario alienígena es lo único que “Prey” conserva de las películas originales.

    “Me pregunté: ‘¿y si contamos con un héroe que nunca antes habíamos visto?’ Y pensé que la cultura popular siempre ha relegado a los indígenas de EE.UU. al papel del compañero de aventuras o de villano, particularmente los de origen comanche”, narra Trachtenberg.

    Además de indígena, el director concluyó que su protagonista, y por tanto nueva heroína de la saga, debía ser una mujer.

    UNA NUEVA HEROÍNA INDÍGENA

    Ambientada en las Grandes Llanuras durante 1719, mucho antes de que ese inmenso paisaje pasara a formar parte de EE.UU., Prey cuenta la historia de Naru, una guerrera de la tribu de los comanche obsesionada por demostrar su valía que un día descubre una nueva amenaza completamente diferente a todo lo que ha visto.

    Desesperada y sin que casi nadie la crea, Naru (Amber Midthunder) deberá enfrentarse, con los pocos recursos a su alcance, a un ser desconocido y armado con tecnología más sofisticada y destructora.

    Sobre la trama, cuenta Trachtenberg que más allá del elemento “David contra Goliat” presente en todas las películas de “Predator” quiso incluir a una mujer percibida como “menos capaz” por los suyos y que, por tanto, asume el desafío doble de combatir una amenaza y convencer de que es la indicada para ello.

    “Creo que todos podemos identificarnos más con Naru que con Dutch” el personaje de Schwarzenegger en el filme original, opina el cineasta.

    Visceral, convulsa y oscura, “Prey” mantiene la enseña de las películas originales con mucha acción y poco diálogo, pero se atreve a retar al espectador con una versión rodada por completo en idioma comanche.

    El reparto grabó el filme en inglés y en comanche para que el espectador que lo desee pueda seguir esta historia en uno de los idiomas que originalmente se hablaban en Norteamérica.

    “Lo bueno de estrenar en ‘streaming’ es que el público puede decidir qué versión ver”, opina Trachtenberg. EFE

  • “The House of Dragon” y “Andor”, dos superseries que se estrenan en agosto

    “The House of Dragon” y “Andor”, dos superseries que se estrenan en agosto

    “The House of Dragon”, precuela de “Game of Thrones” sobre el origen de los Targaryen, y “Andor”, la historia del espía galáctico Cassian Andor (Diego Luna), en una época anterior al comienzo de Star Wars, son dos de las grandes series que llegan este agosto a las plataformas.

    Con el verano a pleno rendimiento, las plataformas refuerzan sus propuestas con algunas de las series más esperadas, como “A League of Their Own”, “Sandman”, “Bad Sisters”, “She-Hulk: Attorney At Law” o la española “The Girl in The Mirror”.

    Además, para complementar el estreno de “The House of Dragon”, que llega a HBO Max el 19 de agosto, el día 1 estará disponible la serie madre “Game of Thrones”, completa y en alta definición.

    Estos son, por fecha de estreno, algunos de los títulos más destacados del mes de agosto, en opinión de Efe.

    NEIL GAIMAN, CREADOR DE “SANDMAN”, PARTICIPA EN LA SERIE DE NETFLIX

    Día 5 (Netflix).- El cómic más aclamado de Neil Gaiman, “Sandman” da el salto a la pantalla en una serie de acción real en la que el creador de la historieta participa en el proceso creativo y es el autor del guion del primer capítulo.

    La serie, que dirigen David S. Goyer y Allan Heinberg, sigue a las personas y los lugares afectados por Morfeo (Tom Sturridge), el Rey del Sueño, mientras repara los errores cósmicos -y humanos- que ha cometido durante su larga existencia.

    “MOONHAVEN”, SEIS EPISODIOS DE HISTORIAS FUTURISTAS EN LA LUNA

    Día 11 (AMC+).- Creación de Peter Ocko, este thriller de suspense está ambientado en una comunidad utópica construida en la Luna donde Bella Sway (Emma McDonald), contrabandista y piloto de un carguero lunar, es acusada de un crimen y enviada a Moonhaven, asentamiento ubicado en la Luna donde se investiga para acabar con los problemas que amenazan a la civilización en la Tierra.

    “CHIAMAMI ANCORA AMORE”, DRAMA ITALIANO CON MUCHAS LÁGRIMAS

    Día 11 (Sundance TV).- Drama italiano en ocho episodios de una hora de duración, esta producción descubre la separación de Anna y Enrico cuyo hogar se ha convertido en una prisión tras once años de matrimonio y su ruptura, lejos de ser pacífica, genera una desagradable guerra donde la custodia de su hijo Pietro se convierte en la batalla principal.

    Una historia íntima, emocionante y desgarradora en esta serie creada por Giacomo Bendotti que está protagonizada por Greta Scarano, Simone Liberati y Claudia Pandolfi.

    LAS CHICAS VUELVEN AL BEISBOL PROFESIONAL EN “A LEAGUE OF THEIR OWN”

    Día 12 (Amazon Prime).- Inspirada en la película del mismo título, que protagonizaban Geena Davis, Tom Hanks y Madonna, la serie sigue a un grupo de mujeres que sueñan con jugar al béisbol profesional, al tiempo que ahonda en temas como la raza o la sexualidad, mientras los personajes van labrando su camino dentro y fuera del terreno de juego.

    Contada en ocho episodios, “A League of Their Own” está protagonizada por Abbi Jacobson, Chanté Adams y D’Arcy Carden en los papeles principales.

    “DAYS AT MEMORIAL”, LAS FATALES CONSECUENCIAS DEL HURACÁN KATRINA

    12 (Apple TV+).- La miniserie ” Days at Memorial” narra en ocho episodios las devastadoras consecuencias del huracán Katrina desde el punto de vista de uno de los hospitales instalados en la zona cero, basada en la escalofriante historia que recoge en su libro la periodista Sheri Fink, ganadora del Pulitzer.

    En él, Vera Farmiga da vida a la doctora Anna Pou del New Orleans Hospital, en el que los continuos cortes de luz se ven acompañados de inundaciones y subidas de temperatura sucedidas en la realidad, circunstancias que dificultan la asistencia médica y llevan a los protagonistas a tomar decisiones límite y a priorizar unas vidas sobre otras.

    LAS ABOGADAS TAMBIÉN PUEDEN CONVERTIRSE EN SUPERHEROINAS…VERDES

    Día 17 (Disney+) Tatiana Maslany interpreta a una abogada treintañera y soltera especializada en casos de superhéroes y que resulta tener el poder de convertirse en una masa verde y superpoderosa de dos metros.

    Creación de Jessica Gao, responsable de la serie de animación para adultos “Rick y Morty”, “She-Hulk: Attorney At Law” reúne en sus nueve episodios a un gran número de veteranos del Universo Cinematográfico Marvel, entre los que figuran Mark Ruffalo como Smart Hulk, Tim Roth como Emil Blonsky/The Abomination y Benedict Wong como Wong.

    “BAD SISTERS”, NOVELA NEGRA, SUSPENSE Y MUCHAS RISAS

    Día 19 (Apple TV+) Combinación de comedia negra y suspense ambientada en la costa de Irlanda, “Bad Sisters” -de la creadora y estrella Sharon Horgan- sigue las vidas de las hermanas Garvey, unidas por la muerte prematura de sus padres y la promesa de protegerse siempre unas a otras.

    Además de Horgan, “Bad Sisters” está protagonizada por Anne-Marie Duff, Eva Birthistle, Sarah Greene y Eve Hewson como las hermanas Garvey. Se estrenarán los dos primeros capítulos de los diez de que consta la serie, y después, uno nuevo cada semana, todos los viernes, hasta el 14 de octubre.

    KIKE MAILLO DEBUTA EN NETFLIX CON LA SERIE “THE GIRL IN THE MIRROR”

    Día 19 (Netflix).- El cineasta Kike Maillo, ganador del Goya por su cinta de ciencia ficción “Eva” (2011) se pasa a la producción de series de televisión con “The Girl in The Mirror”, un thriller sobrenatural que dirige junto al también director de cine Sergio G. Sánchez (“Marrowbone”), show runner de la nueva producción televisiva.

    Rodada casi en su totalidad en el Principado de Asturias, “The Girl in The Mirror” cuenta la historia de Alma (Mireia Oriol) que, tras sobrevivir a un accidente de autobús en el que mueren casi todos sus compañeros, despierta en un hospital sin recordar absolutamente nada. Traumatizada por el suceso, sufre terrores nocturnos y visiones que no consigue desentrañar.

    “THE HOUSE OF DRAGON”, ASÍ ERAN LOS BISABUELOS DE DAENERYS TARGARYEN

    Día 19 (HBO Max).- Esta precuela de “Game of Thrones”, basada en la novela ‘Fire and Blood”, de George R.R. Martin, está ambientada 200 años antes de los hechos de la primera y cuenta la historia de la casa Targaryen, los antepasados de Daenerys, la “Khaleesi”, que fue una de los protagonistas de la serie madre que quedó en la última entrega en todo lo alto.

    Si “Game of THrones” fue uno de los fenómenos televisivos más importantes del siglo, esta precuela, también desarrollada por HBO Max, promete ser una digna continuación, si bien en el tiempo será antecesora.

    La historia tiene como protagonista al príncipe Daemon Targaryen (Matt Smith), hermano menor del rey Viserys (Paddy Considine) y uno de los herederos al trono, un personaje se distingue por sus habilidades de combate y por ser un jinete de dragones. Se vive un momento de transición en el poder, pero como cabía esperar, no es probable que se acepte sin más que una mujer, la hija del rey, ocupe el Trono de hierro.

    “ANDOR”, PRECUELA DE “STAR WARS: ROGUE ONE”, DE NUEVO CON DIEGO LUNA

    Día 31 (Disney+).- “Andor”, la precuela de “Star Wars: Rogue One” (2016), precuela de “Star Wars: Rogue One”, se estrena como una serie doce episodios, con dos temporadas, en las que Diego Luna repite su papel de Cassian Andor, piloto y soldado galáctico.

    Concebida como un spin-off de aquella, “Andor” arrojará luz sobre el aún poco conocido personaje de Diego Luna, del cual se revelará su historia y por qué decidió unirse a la Alianza Rebelde.

    Con Luna, un nuevo elenco formado por Stellan Skarsgård, Adria Arjona, Fiona Shaw, Denise Gough, Kyle Soller y Genevieve O’Reilly como Mon Mothma. EFE

  • Colombia en las calles para despedir cantando al “Rey del despecho”

    Colombia en las calles para despedir cantando al “Rey del despecho”

    Cientos de personas se volcaron a las calles este sábado en Medellín para darle el último adiós al cantante y compositor colombiano Darío Gómez, conocido como “el Rey del despecho”, quien falleció el martes en esa ciudad del noroeste de Colombia, donde se escucharon con fuerza sus éxitos en medio del dolor de sus fanáticos.

    Dos días de capilla ardiente, en el coliseo Yesid Santos, no fueron suficiente para aplacar a los seguidores. Sin importar que la ceremonia religiosa como el funeral eran privados, siguieron por las calles el féretro de Gómez y se agolparon a la entrada de la Iglesia Santa Gema y del cementerio Campos de Paz para despedir a su ídolo.

    EL ÍDOLO DEL PUEBLO

    “Ese viejo de verdad que sí es un ídolo. Hoy nos toca despedirlo y es triste verlo así”, dijo a Efe Maribel Monsalve, quien decidió “no fallarle” a su cantante favorito luego de su intempestiva partida.

    En su exitosa carrera musical, el “Rey del despecho”, que murió a los 71 años de edad, vendió más de seis millones de discos en el país y en el exterior.

    Para Monsalve, que tiene entre la banda sonora de su vida el tema “Mi renuncia”, ese afecto desbordado por intérprete de música popular que los llevó a colapsar varias vías principales de la ciudad, se explica en que “sabía llegar a los corazones” con sus canciones.

    “Así como nos parábamos de primeros en las gradas para sus conciertos, no nos queda difícil hacerlo en este momento”, afirmó la seguidora de Gómez.

    El artista, nacido en 1951 en la población de San Jerónimo, en el departamento de Antioquia, se hizo famoso por sus canciones sobre el amor y el desamor, de las cuales la más recordada es “Nadie es eterno en el mundo”.

    Para dar el último adiós, la carroza fúnebre hizo una parada en la discográfica Gago, que fundó el cantante para producir a cientos de artistas. Allí se vivió un momento sublime con familiares, fanáticos y vecinos, quienes cantaron a todo pulmón varias canciones mientras desde los balcones lanzaron pétalos y flores.

    “GRACIAS, MAESTRO”

    En ese recorrido cantado rumbo a la iglesia, donde otro puñado de seguidores esperaba a “el Rey del despecho”, con el coro de “Darío, Darío” fue recibido el féretro, en otro momento para recordar el legado que dejó el cantautor.

    “Toda gente que está afuera, si quisiera decirle algo Darío Gómez, desde allá podrían decir: ‘él me alegró con su música, celebré con sus canciones y en muchas ocasiones lloré y me puse triste con la realidad que el mismo reflejó en sus canciones”, expresó el párroco durante la misa.

    Ya en la última estación en esa despedida que se alargó, se vivió una situación tensa cuando cientos de seguidores intentaron ingresar al cementerio, lo que derivó un enfrentamiento con la Policía.

    En el homenaje final, mientras se escuchaba el coro “Te queremos, Darío” y “Gracias, maestro”, en el cementerio hubo calle de honor y minuto de silencio para darle algo de solemnidad al momento.

    Pero el adiós al rey, con sus familiares y amigos sosteniendo globos blancos y pequeñas bengalas, corrió por cuenta de un mariachi que inició con la interpretación de canciones como “Nadie es eterno en mundo”, “Amor Eterno” de Juan Gabriel, y “Amigo” de Roberto Carlos.

    “Francamente, este es un golpe muy duro porque como Darío estaba completamente aliviado en las últimas presentaciones que hicimos, no lo esperaba. Son cosas que Dios y el destino quieren, y no podemos hacer nada”, dijo a Efe Aníbal Ramírez, apodado ‘Pistolita’, guitarrista que por 35 años acompañó a Gómez, cuyo féretro en el cementerio fue transportado por la Policía Militar.

  • ‘La Rosalía’, una aprendiz del Camino que rompe el ‘Aislamiento’ en A Coruña

    ‘La Rosalía’, una aprendiz del Camino que rompe el ‘Aislamiento’ en A Coruña

    Rosalía ha vuelto este viernes a A Coruña después de cinco años para confesar que es una aprendiz de un Camino que intentó hacer dos veces, aunque solo lo terminó una vez, ante 8.500 personas deslumbradas al escuchar su inédito ‘Aislamiento’.

    La única cita de este año en Galicia de Rosalía es la de A Coruña, donde había actuado por última vez en 2017, y tras una espera de veinte minutos, apareció en el escenario del Coliseum ante un público entregado.

    Su noche más gallega, en la que incluso llegó a envolverse en una bandera de Galicia que recogió del público, empezó al ritmo de ‘Saoko’, un tema seguido por ‘Candy’ y ‘Bizcochito’, cuando buena parte del público se puso en pie.

    Reconoció, entre los coros de las 8.500 personas que llenaban el Coliseum, que “es mala amante la fama y no va a quererte de verdad”, y provocó los gritos de “Rosalía, Rosalía” al terminar este tema.

    “Quiero que sepáis que estoy muy contenta de volver a estar por aquí. He venido varias veces a tocar aquí, pero siempre me hace mucha ilusión volver”, explicó.

    “En su momento -continuó- hice el Camino de Santiago, la primera vez que lo hice fue el Camino Primitivo, pero lo que nunca he dicho es que intenté hacer el del Norte, fue fallido, no lo pude hacer porque me lesioné. Aprendí tanto del uno como el otro, del que terminé y del que no terminé (…) Hoy tengo la suerte de estar aquí cantando, así que no puedo pedir más”, agregó.

    Sacó entonces una guitarra y el público, entregado, encendió las linternas de sus móviles para escuchar la interpretación de ‘Dolerme’.

    También hubo tiempo para otros temas míticos de la cantante, como ‘De aquí no sales’ o ‘Bulerías’, que enlazó antes de reclamar respuestas a sus “Moto” con gritos de “Mami” y entonar Motomami.

    El nivel ya estaba alto, pero el éxtasis aún estaba por llegar, primero con G3 N15, luego con Linda y después con una Rosalía sorprendida: “Quién iba a decir que en A Coruña hace tanto calor”, bromeó.

    Eligió entonces varias pancartas de la primera fila: “Rosalía, tu piña colada es la mejor”, “Tu música es la gasolina de mi vida” o “Las motomamis somos la mejor compañía”.

    “Tú eres el motor para que yo siga escribiendo y venga aquí a actuar. Así que gracias por existir”, respondió a una de ellas.

    Y descubrió una foto en primera fila de una incondicional, María, junto a ella, que la conserva desde 2018: “Para ti, la siguiente que se viene”, dijo.

    Con ‘La noche de anoche’, Rosalía se implicó con el público, al que dejó interpretar algunas partes del tema antes de recoger una bandera de Galicia, con la que se envolvió y cantó ‘Diablo’.

    Tijeras en mano, la cantante se cortó una trenza y la lanzó a sus seguidores, ya entregados por completo en una noche de locura donde también escucharon ‘Hentai’, ‘Pienso en tu mirá’ o ‘Pérdoname’, de La Factoría.

    En su clásico abecedario, eligió “A Coruña” para la A, para satisfacción del público, que después escuchó ‘La Combi Versace’ y ‘Relación Remix’.

    Los incondicionales subieron al escenario para bailar junto a la artista al ritmo de ‘Yo X Mi, Tu X Mi’ y la recién estrenada ‘Despechá’.

    Agradeció que ya todo el mundo conozca ‘Despechá’ y avanzó “un tema que aún no ha salido, inédito”, ‘Aislamiento’, para que el anfiteatro vibrase al son de la música.

    Fue el broche de oro para una noche a la que todavía le quedaba concierto y en la que el público gallego se rindió al arte de Rosalía.

  • El CEN Jazz Ensemble presenta el concierto “Sunset Jazz: Celebrando Tres Culturas”

    El CEN Jazz Ensemble presenta el concierto “Sunset Jazz: Celebrando Tres Culturas”

    Bajo la dirección del maestro Freddy Bolaños, el CEN Jazz Ensemble presentará “Sunset Jazz: Celebrando Tres Culturas”, un concierto que se llevará a cabo este viernes 29 de julio a las 18h00, en la Estación Fluvial del Parque Histórico.

    Los espectadores podrán apreciar un repertorio variado con canciones seleccionadas de las culturas norteamericana, francesa y ecuatoriana, interpretadas al estilo del jazz, en un evento que combinará buena música, un ambiente al aire libre y al pie del río, y el maravilloso paisaje que ofrece la caída del sol. La entrada será de libre acceso y el concierto apto para todo público.

    De acuerdo con Deborah Chiriboga, Directora General del Centro Ecuatoriano Norteamericano (CEN), “El concepto detrás de este acontecimiento cultural es reconocer y celebrar las independencias de Estados Unidos y de Francia, así como la Fundación de Guayaquil, pues las tres se conmemoran en el mes de julio. Estamos seguros de que este espacio contará con gran acogida, pues constituye el plan perfecto para compartir y disfrutar un viernes en familia”.

    La presentación contará con todos los miembros del CEN Jazz Ensemble, incluyendo a Vivianna Gómez, cantante del grupo; Xavier Jeldes en el bajo; Miguel Aguilar en la batería; Joel Icaza en el teclado; y Jonathan Aguirre en la guitarra.

    De esta forma, el CEN continúa fortaleciendo su propuesta de valor, con una agenda cultural de calidad, que, en esta ocasión, de la mano de una banda de gran prestigio, deleitará a niños, jóvenes y adultos amantes de la buena música.

  • ¿Sin español no habría reguetón?

    ¿Sin español no habría reguetón?

    ¿Cómo es posible que desde Puerto Rico, una pequeña isla en el Caribe, se haya desarrollado el género musical más escuchado en el mundo usando el español como su idioma de bandera? El reguetón no ha tenido que sucumbir al inglés para triunfar.

    El gran ejemplo es el puertorriqueño Bad Bunny, quien sin necesidad de cantar en inglés es “el artista más escuchado por segundo año consecutivo y de todos los tiempos en un solo día” en la plataforma Spotify.

    Con su último disco “Un verano sin ti” rompió en mayo pasado los récords de Spotify con 183 millones de reproducciones, superando los 176,8 millones del canadiense Drake.

    “AHORA TODOS QUIEREN SER LATINOS”

    Para resaltar ese orgullo puertorriqueño, Bad Bunny destaca en su tema “El Apagón” las virtudes del clima de la isla, “la capital del perreo”, y asegura que por eso “ahora todos quieren ser latinos”, una frase que comparte y subraya el productor musical boricua Mr. NaisGai.

    “Nuestro trabajo como latinos es mantenernos cerca de nuestras raíces, y más si trabajas con alguien de Estados Unidos, de Reino Unido o África”, dijo a Efe Mr. NaisGai.

    La importancia del idioma español en este género es incluso más sorprendente si se tiene en cuenta que Puerto Rico es un Estado Libre Asociado a Estados Unidos, país al que España cedió la soberanía de la isla tras la guerra de 1898.

    Pese a llevar casi 125 años bajo la influencia estadounidense, el español sigue siendo el idioma principal de Puerto Rico y una seña de identidad, mientras que el inglés no ha logrado imponerse.

    Entonces, ¿sin español no habría reguetón?

    “Eso es correcto”, respondió a Efe Javier “Cholongo” Gómez, uno de los promotores del género urbano en los inicios del movimiento a principios de la década de 1990 y exrepresentante de Héctor “El Father”, una de las leyendas del ritmo.

    “El reguetón nació orgánicamente del grito de jóvenes marginados que encontraron en él una forma de expresarse, que fue y es cultural”, reflexionó Gómez sobre el hecho de que esta música sea en español.

    LA QUÍMICA PERFECTA

    Algunos de los fundadores de este género son los puertorriqueños DJ Negro, DJ Playero y DJ Nelson. Este último, por ejemplo, es el responsable de incluir la palabra reguetón en un disco, cuando en el año 1995 tituló un álbum “Reggaeton Vol. 1”.

    “El reguetón y el español son la química perfecta”, aseguró a Efe Nelson Díaz, nombre de pila de DJ Nelson, que ha catapultado las carreras de reconocidas figuras como Jay Wheeler.

    Por su parte, DJ Negro contaba con la discoteca “The Noise” en El Viejo San Juan, donde se presentaban artistas urbanos emergentes, apareciendo en su último show un adolescente Daddy Yankee, conocido como el “Rey del Reguetón”.

    Entretanto, DJ Playero elaboró junto al también productor y rapero Nico Canadá a finales de los noventa el disco “Boricua Guerrero”, que rompió esquemas musicales al unir por primera vez a algunos de los principales reguetoneros y raperos estadounidenses de ese momento.

    El reguetón se desarrolló en Puerto Rico mezclando los ritmos jamaiquinos del dancehall y el reggae con hip-hop, house, salsa, merengue, bachata, y los géneros autóctonos de bomba y plena.

    MEZCLA DE GÉNEROS Y COLABORACIONES

    El productor musical colombiano Ovy On The Drums, quien ha trabajado temas de Bad Bunny, Anuel AA, Karol G y Becky G, dijo a Efe que el éxito del reguetón es ser un género que fácilmente puede combinar con otros.

    “El reguetón es uno de esos géneros que ha llegado para quedarse. Se ha podido combinar con casi todos los géneros que existen y por eso se ha posicionado como uno de los populares a nivel mundial”, comentó Ovy.

    Otra de las razones es, según el conocido compositor Wise “The Gold Pen”, que el reguetón “ha sido uno de los géneros donde más unión ha habido colaboraciones de los artistas y eso ayuda bastante”.

    “El público hispano es tan grande y ese sabor único que tiene el latino que le gusta bailar ha unido más lo que es la comunidad, se han apoyado año tras año”, explicó a Efe.

    SIN NECESIDAD DE “CROSSOVER”

    Por ello, los reguetoneros no han tenido que sucumbir al “crossover” (paso del español al inglés), como sí hicieron artistas latinos de otros géneros como Ricky Martin, Marc Anthony o Shakira, que grabaron discos en inglés para llegar a otros mercados.

    Para Álvaro Díaz, miembro de la nueva generación del ritmo urbano, su enfoque siempre fue “hacer algo ‘cool’ en español”, aunque es un fiel seguidor de la música anglosajona por artistas como Michael Jackson y Kanye West.

    “Me atrevo a hacer un disco en inglés. No me interesa, pero me atrevo”, dijo a Efe.

    De los pocos que ha decidido dar el salto es Jay Wheeler, quien prepara un disco completamente en inglés que tiene “casi terminado”.

    No obstante, el intérprete del éxito “La curiosidad” aseguró rotundo que no es necesario ese “crossover”: “Yo lo hago porque lo amo y es un gusto personal, pero el latino está en todos lados, en el mundo entero”.