Category: FARÁNDULA

“Freda”, la ópera prima de la haitiana Géssica Généus, se ha llevado este sábado el principal premio del Festival de Cine de Miami, el galardón Knight Marimbas, mientras que “Carajita”, de los argentinos Silvina Schnicer y Ulises Porra Guardiola, ganó el Premio HBO al Largometraje Iberoamericano.

Sobre “Freda”, cuya acción transcurre en la actual y convulsionada Haití, el jurado destacó la “fuerte narrativa centrada en la mujer” que volcó en pantalla la también actriz Généus, con el apoyo de “actuaciones excepcionales de actores emergentes”.

“Apreciamos estar inmersos en un lugar que no vemos a menudo en la pantalla, retratado de una manera tan realista pero tierna”, agregó el jurado sobre esta coproducción entre Francia, Haití y Benin, y que ha tenido su estreno estadounidense en Miami.

Por su parte, “Carajita”, que aborda los choques sociales y raciales en América Latina, se llevó el premio en el apartado iberoamericano que patrocina el conglomerado WarnerMedia, el cual además entregó otros premios para cuatro cortometrajes, entre ellos “La mujer de Héctor”, del puertorriqueño Ricardo Varona.

Hatzín Navarrete, protagonista de la cinta “The Box”, y Mari Oliveira, de “Medusa”, ambas en competición, se alzaron con los premios a mejor actor y actriz, respectivamente, por sus “magnéticas actuaciones”, destacó el jurado.

El drama familiar con aires de documental “You Resemble Me”, de la realizadora y periodista Dina Amer, se alzó con el galardón a la ópera prima Jordan Ressler, por su “su audaz descripción de la identidad fragmentada y la desigualdad social a través de su magistral tejido de estilos”, de acuerdo al jurado.

Los tres premios Knight Made in MIA, que se otorgan a cortos rodados en gran parte en el sur de Florida, fueron a manos de, en este orden, “You Can Always Come Home”, del cubano Juan Luis Matos; “In Beauty It Is Unfinished”, del director de ascendencia griega Greko Sklavounos; y “Un Pequeño Corte”, de la realizadora de Miami Marianna Serrano.

Felipe Pérez Santiago, encargado de la partitura musical del largometraje “Amalgama”, del mexicano Carlos Cuarón (“Rudo y Cursi”), se llevó el premio Alacrán de la Música en el Cine.

La comedia romántica “Cariño” recogió el premio del público a mejor cortometraje, mientras que los ganadores a mejor película y mejor documental, según el voto de los espectadores, se darán a conocer luego del cierre del festival, que culminará el domingo.

El Festival de Cine de Miami ha celebrado esta noche su gala de premios, en la que la española Penélope Cruz ha recibido el galardón Precious Gem Icon en reconocimiento al conjunto de su trayectoria, y que ella ha compartido con el director Pedro Almodóvar, por cuyo largo “Madres paralelas” la intérprete ha sido nominada a premio Oscar a mejor actriz.

“Aprovecho cada oportunidad que tengo para agradecer a mi maestro, mi Pedro, a quien le debo mucho en todos los sentidos, no solo como un director que me inspira todos los días, sino porque también tengo mucha suerte de poder llamarlo amigo”, dijo la actriz en un agradecimiento a través de un video emitido en la gala.

Desde el pasado 4 de marzo, más de 120 largos, cortos y documentales de 35 países forman parte de la programación de este año, en la que el cine en español de uno y otro lado del Atlántico ha tenido una importante cuota.

La 39 edición de este festival, organizado por el Miami Dade College, la abrió la española “El buen patrón”, de Fernando León de Aranoa, mientras que la panameña “Plaza Catedral”, de Abner Benaim, ha dado esta noche en el Adrienne Arsht Center de Miami el broche de cierre oficial.

Tanto León de Aranoa como Benaim asistieron a la presentación de sus largometrajes, entre otros muchos directores, actores y productores.

 La actriz española Penélope Cruz no ha escatimado elogios para su compatriota Pedro Almodóvar, director de la película “Madres paralelas”, por la que está nominada al Óscar a mejor actriz, durante sus palabras por el galardón que le entregó el Festival de Cine de Miami, que este sábado celebró su jornada de premiación.

“Aprovecho cada oportunidad que tengo para agradecer a mi maestro, a mi Pedro, le debo mucho en todos los sentidos, no solo como un director que me inspira todos los días, sino también porque tengo mucha suerte de poder llamarlo amigo”, señaló la actriz, en un mensaje grabado que se proyectó en la gala y en el que se excusó por no poder estar presente esta noche.

Cruz compartió el premio Precious Gem Icon, que el festival le ha concedido con el director manchego, quien le entregó el “tesoro” de un papel como Janis, el rol protagónico que encarna en “Madres paralelas”, así como con el elenco y la productora responsable del filme, El Deseo.

La intérprete, cuyo debut en la cita cinéfila de Miami se dio en 1993 de la mano del filme de Bigas Luna “Jamón Jamón”, aludió también a los bebés que actuaron en la película de Almodóvar, incluida la que hizo de su hija, “muy curiosa” y de quien dijo ha aprendido mucho.

“Me recordó tanto que ese es el secreto para actuar, poder ser siempre el observador, y no sentir que te has convertido en ese que está siendo observado”, señaló la española.

“Así era la niña y así es Pedro todos los días”, cerró la actriz, ganadora de un Óscar por “Vicky Cristina Barcelona” y cuatro veces nominada a estos premios.

El Festival de Cine de Miami celebró la noche de este sábado su ceremonia de entrega de premios en el Adrienne Arsht Center de esta ciudad del sur de Florida (EE.UU.), en donde el director panameño Abner Benaim presentó su filme “Plaza Catedral”, el cual cerró de forma oficial el evento.

El festival, que se inauguró el pasado 4 de marzo y concluirá mañana domingo, ha presentado 120 largos, cortos y documentales de más de 35 países en un formato presencial y digital, con el cine en español en un lugar destacado y numerosos premios y homenajes, incluido uno al recientemente fallecido actor Sidney Poitier.

Dio el pistoletazo de salida la película española “El buen patrón”, que se proyectó en la jornada inaugural con presencia de su director Fernando León de Aranoa, y a lo largo de su programación se proyectaron filmes de ese país como “Maixabel”, de Icíar Bollaín; “Mediterráneo”, de Marcel Barrena; y “Tres”, de Juanjo Giménez, entre otras.

En esta edición, además de Cruz, han sido reconocidos también con sendos premios Gem el iraní-estadounidense Ramin Bahrani (“2nd Chance” y “The White Tiger”) y el japonés Ryusuke Hamaguchi (“Drive My Car”).

Por su parte, la directora australiana de fotografía Ari Wegner (“Zola” y “The Power of the Dog”) y el compositor canadiense de origen chileno Cristóbal Tapia de Veer (“The White Lotus”) recibieron los premios Art of Light.

Me alisté porque quería ser blanco”, afirma Gamal “G” Turawa, expolicía negro y gay de Scotland Yard, al arrancar “The Black Cop”. El documental que dirige Cherish Oteka, nominado a los premios Bafta, es una historia de “redención” que encapsula dolorosas confesiones sobre racismo, homofobia y opresión.

En poco más de 20 minutos, este agente británico retirado -el primero que admitió abiertamente su homosexualidad en la Policía Metropolitana de Londres (Met)- repasa descarnadamente, desde su infancia, episodios que le marcaron -y que hoy resultarían escandalosos- durante sus 25 años de servicio.

Turawa habla a cámara y sus ojos reflejan dolor. No emplea pseudónimos, no huye de los recuerdos más tormentosos y tampoco esconde cómo él mismo participó y contribuyó a “perpetuar” la cultura racista y homófoba arraigada entonces en la Met, cuando ser negro era un impedimento para ser aceptado.

En una entrevista con Efe, Cherish Oteka (“A Man Called Dad”, “Bame Voices”), especialista en proyectos que dan voz a minorías marginadas y que opta mañana domingo al Bafta al mejor cortometraje, dice que “The Black Cop” (“El poli negro”) ha permitido a su protagonista “hacer las paces” de alguna manera con su pasado.

UN OBSTÁCULO PARA ENCAJAR EN LA POLICÍA

Retirado en 2018, Gamal “G” Turawa revela que su deseo por sentirse totalmente integrado llegó a hacerle partícipe de episodios que hoy le abochornan, como cuando se dejó pintar la cara de blanco para “encajar”. “Creemos que tienes el color equivocado para el cuerpo (policial)”, le comentaron entonces, entre risas, sus colegas.

Rememora la época en la que detenía y registraba al azar a supuestos sospechosos, “que siempre eran negros”, para demostrar que él era “uno de ellos (de los blancos)”.

Ese anhelo obsesivo por “ser uno más” le llevó a hacer cosas que ahora lamenta, como “hacer daño a algunas personas” para llegar a su objetivo.

“¿Cómo me puedo perdonar?”, es una de las preguntas que se formula.

Natural de Nigeria, Oteka afirma que Gamal “ha hecho mucha terapia a lo largo de los años, y de alguna manera ha hecho las paces. Compartirlo (su experiencia) es como otro paso hacia casi la redención, aceptar completamente quién es, y dónde está, con la esperanza de que otros puedan hacer lo mismo”.

Como alguien que se autodefine “queer” y “trans”, Cherish Oteka ahonda en la resistencia de comunidades negras a las opresivas tácticas policiales.

SCOTLAND YARD RECHAZA LAS CRÍTICAS

En un escueto comunicado de Scotland Yard emitido al finalizar el documental, el cuerpo, que recientemente ha afrontado acusaciones de conductas misóginas, racistas y homófobas entre sus agentes, responde a lo que refleja la cita.

“Esta no es la misma Met que hace 20 o 25 años. Ahora proporcionamos adiestramiento obligatorio en diversidad a todos los policías y empleados… y hemos introducido cámaras adosadas al cuerpo (de los agentes) para que los encuentros con los ciudadanos queden grabados”, asegura.

Sin embargo, el pasado febrero una pesquisa interna acometida por la Oficina de Conducta Policial destapaba casos de racismo, sexismo y homofobia entre los agentes de la comisaría londinense de Charing Cross -que se intercambiaban bromas macabras en mensajes de WhatsApp.

Esos hallazgos derivaron en el anuncio de dimisión de la comisaria jefa de la Met, Cressida Dick. La “cultura tóxica” que, al parecer, aún impera en las filas de este cuerpo policial le costó a la veterana comisaria la confianza del alcalde de Londres, el laborista Sadiq Khan.

Lo que cuenta Gamal Turewa en el documental no difiere en exceso de la realidad actual de la Met, según se deduce de esta investigación.

La historia concreta del expolicía, que a lo largo de los años desempeña, en según qué momento, el papel de víctima, malvado y también héroe, le resultó a Oteka “empoderadora”.

Ver “dónde ha estado y dónde está hoy y cómo ha logrado darle la vuelta a su vida es inspirador y definitivamente da esperanza”, afirma.

Turewa, acogido cuando era un bebé por una familia blanca que lo devolvió a su padre biológico en Londres cuando tenía “8 o 9 años”, habla en el documental de los “comentarios sutiles y recordatorios constantes de que era negro” dentro de la Met, las “bromas homófobas y ataques continuos contra los hombres gay”.

Paradójicamente, Scotland Yard aprovechó su presencia para incluirlo en sus campañas de publicidad con las que el cuerpo esperaba proyectar una imagen de inclusividad y diversidad.

El documental recoge también la “salida del armario” de Turawa, que le llevó “40 años de esconderse”, y cuenta que toda la presión y el abuso psicológico sufrido en el cuerpo le llevaron a considerar el suicidio.

“En un momento en el que la música está tan pasteurizada”, Fito Páez se reconoce sorprendido gratamente de la buena recepción que ha tenido su último trabajo, una musicalización instrumental y sinfónica del libro “Los siete locos” de Roberto Arlt (1929) que forma parte de una trilogía discográfica igualmente salvaje.

“Podría ser uno de los mayores delirios de mi carrera”, reconoce a Efe a su paso por Madrid para presentar el recientemente publicado “Futurismo Arlt” (Sony Music), que define como “una obra descarnada, hecha con mucho amor a través del tiempo”.

Y tanto tiempo. La simiente se remonta a 1995, cuando Julio Bocca le propuso integrar un espectáculo de danza y música sobre tango, folclore argentino y rock. Según cuenta, de aquella reunión “chispeante” a la que también asistió Cecilia Roth surgió la idea de ponerle música al citado libro.

“El proyecto se frustró, pero nunca cesó en mí la idea de llevarlo adelante”, comenta Páez (Rosario, 1963), convencido de que “algunas cosas tienen que macerar en el tiempo, no solo para el oyente y la época, sino también para uno, sobre todo cuando es un material delicado sobre un libro icónico, frondoso e inabordable”.

De la existencialista “Los siete locos” destaca sobre todo la capacidad del autor para anticipar hechos que sucedieron en Argentina y en el mundo como el peronismo, la pandemia o la guerra.

“Es asombrosa su capacidad para ver el hueso de la condición humana, sin vaselina, con una escritura exuberante y delirante”, señala el músico, que fue avanzando “caóticamente” en la composición, como una “olla calentándose a fuego lento que hubo que remover un montón” y a la que echaba como inspiración retazos de personajes y escenas.

¿Hace falta una mente delirante para traducir en música a otra? “Sí”, responde raudo, antes de precisar que “la locura es dañina y nosotros queremos solo disparate, tarea en la que nos ayudan autores de la envergadura de Roberto Arlt”.

Musicalmente comenzó como una receta de mínimos: de una estancia en una playa uruguaya surgieron unos teclados, a los que añadió apenas una cuerda, unos pianos, quizás algún clarinete y madera… y así fue creciendo hasta convertirse en una obra orquestal.

Su grabación en cinco días no fue menos avezada, con triple vértice entre Los Ángeles, donde estaba Gustavo Borner como productor (tarea a la que también se sumó Diego Olivero), Buenos Aires con el director musical Ezequiel Silberstein y, desde Praga, la Orquesta Sinfónica Nacional Checa.

“Así fue como llegué a esta obra de la que estoy muy orgulloso”, ratifica el argentino, agradecido por la multitud de mensajes de felicitación que le han llegado por redes. “No me pasó con ningún álbum, ni con ‘El amor después del amor’ (1992). Me sorprendió en un momento en el que la música está tan pasteurizada, porque pensé que la gente no tendría ganas de música experimental, pero sí las tuvieron de escuchar este delirio de un rosarino”, se felicita.

UNA AGENDA COMPLETA: DISCOS, SERIE DE TV Y CONCIERTOS. Páez, que ha ideado hasta una propuesta escenográfica multidisciplinar para “Futurismo Arlt”, con música en vivo, videomapping y actores y anda “a la espera de que algún promotor se anime a montarla”, lanzó ya en 2021 el disco “Los años salvajes”, título que terminará englobando como una obra integral a esta obra orquestal y un tercer disco bien diferente.

“Terminando los dos primeros, pensé que faltaba algo, pero no sabía qué y recurrí a la idea de armar una trilogía con un álbum con piano, un disco pequeño, como una pequeña joya, que me dio la sensación de totalidad que podía contar lo que me estaba pasando en este mismo”, subraya un Páez remozado por el reto.

Por si fuera poco, en pandemia se implicó también en la escritura de sus memorias hasta los 30 años y, sobre ese material, Netflix comenzó a armar una serie biográfica que ya va por su séptima semana de filmación y en la que él ha supervisado los guiones.

“El momento más peliagudo ha sido contar el asesinato de mis abuelas y de Fermina, la mujer que trabajaba en mi casa, embarazada de siete meses. Fue un momento difícil, pero tomé la decisión de contarlo seco, con los hechos como pasaron y haciendo la reconstrucción con los documentos policiales”, comenta sobre uno los episodios más oscuros de la historia argentina.